El honor de las injurias

Todos hemos oído relatos sobre la vida durante guerra civil, con su encadenado de hechos terribles. Si quien los narraba era un familiar, intentábamos adoptar alguna imagen cercana para dar vida en la cabeza al relato. Pero pocas veces hemos hecho nuestra realmente, viviéndola, la sensación que seguramente nos intentaban trasmitir, porque las imágenes que adjuntábamos o estaban muy distorsionadas o no casaban, de hecho, con la época.

Preparando datos sobre Carlos García-Alix, procurando acumular, cara a la sesión del martes, un mínimo de poso sobre su actividad, he dado con “El honor de las injurias” (2007), que no había visto previamente. Es una película que, al margen de su impresionante acumulación y presentación de documentos, de historia comprobada, de secuencias de films que dan el tono visual, tiene para mí el mérito de que sí me trae la sensación (nada placentera, por cierto), de unos años en que la población civil vivió inmersa, sin poder remediarlo, en algo bastante similar al infierno. Años de heroicidades que se mezclaron indisolublemente con los de más baja catadura. El horror, oiga, el horror.

En la imagen, fotografía policial francesa sobre Felipe Sandoval, el personaje (víctima y verdugo) que le sirve a Carlos García-Alix para recorrer y dejar tan bien retratados, tanto desde el punto de vista político como humano, unos años básicos de nuestra historia.

Exposición Jacinto Esteva en la Filmoteca

Decimos que baja la frecuencia e intensidad de las exposiciones que ofrecen en Barcelona las diferentes instituciones, y resulta que en la Filmoteca hay una de esas que da razón de ser a la institución que la ofrece: "Jacinto Esteva. A l'ombra de l'últim arbre" (hasta el 15 de junio).

Posiblemente alguien se preguntará por qué razón ir a verla, si su protagonista es un cineasta cuyas películas, pese a la actual y completa retrospectiva que está haciendo la Filmoteca estos días, son una “rara avis” que poca gente ha visto. Su comisario (el mismo director de la Filmoteca, Esteve Riambau), con la colaboración de Daria Esteva, han pensado para construir la exposición en un recorrido sinuoso, como meandros de un río que va pasando por sus pinturas, diseños arquitectónicos, alguna pequeña muestra literaria, pinitos publicitarios, toda su obra cinematográfica, hasta finalmente llegar, y ser devorado, por el universo africano, justo el que atrapó buena parte de los últimos años de vida de esa potente personalidad que fue Jacinto Esteva.

Yo aventuro una razón de peso para tener que visitar la exposición: Porque Jacinto Esteva, pese a las posibles diferencias abismales de formas de vida entre la suya y la nuestra, es, mírese como se mire, parte de nosotros. No podemos restar al margen de esas imágenes de un país exportador de emigrantes como fue la España de los 60, que ya hizo aparecer en su primer film, "Notes sur l'emigration"; no podemos sino quedar abducidos por las diferentes fiestas de la España negra, que recogió por esa década en este país de todos los diablos, para ver si, realmente, “Lejos de los árboles” podíamos ver mejor el bosque; esa Barcelona en la que empezaron a emerger las sofisticadas formas de las películas de la Escuela de Barcelona (verdadero Mallarmé ante la imposibilidad de hacer Victor Hugo) seguro que nos suena; incluso ese retorno a lo esencial, a lo bestia, al centro del continente africano, hasta el corazón de las tinieblas, mezclado ahí con ciertos rasgos de paraíso primitivo, no puede resultar, a los que ya van sumando años, totalmente ajeno.

De las memorias de Xavier Juncosa

He empezado la lectura de un libro del que me han hablado muy bien. Es del cineasta y documentalista Xavier Juncosa, se llama “El missatger del fred. La desaparició d’Hernan Gurguí, desertor de la División Azul” (Publicacions de l’Abadia de Montserrat, 2012), y en él habla de toda su saga familiar por parte de madre.

Varios amigos de juventud saben que yo tenía un proyecto de cortometraje, a protagonizar por Luis Ciges, en el que éste se había instalado a vivir en el local de arriba de todo del Campanar de Gràcia. La cosa había empezado porque era el relojero del campanario, subía a darle cuerda, y tenía un colchón ahí para descansar de la penosa subida. Empezó a quedarse ahí arriba, por diferentes causas…

Pues bien: A poco de arrancar el libro me entero de que “el meu rebesavi Joan Mas fou l’encarregat durant molts anys de posar a punt i donar corda –cada dia de l’any, hivern o estiu, feiner o festiu (…)- el rellotge del famós campanar de Gràcia, a la plaça d’en Rius i Taulet, ara plaça de la Vila de Gràcia (…).

Me ha gustado poder ponerle nombre al personaje de Luis Ciges…

(La foto, de Marta Saleta, la he sacado de Gracianet.org)

Sesión de noche

Alejandro Sales y Carlos García-Alix han cometido la temeridad de proponerme llevar la semana que viene, el martes 18 de marzo a las 19h, la charla con el segundo dentro del ya clásico “Encuentros con el Arte” con el que se suele avisar que esa semana cerrará la exposición en curso en la galería del primero. En este caso se trata de la magnífica “Sesión de Noche”, que presenta dibujos, óleos y collages de Carlos García-Alix.

Tras hoy estar de nuevo en la Galería, como veo que no se han arrepentido, aviso que voy a preparar a conciencia preguntas a Carlos García-Alix para ese día sobre sus cuadros y, por tanto, sobre Murnau, Lang, el cine de la Unión Popular, el anarquismo, el cine negro, el “Viaje al fin de la noche”, las películas neorrealistas, los edificios y obras vanguardistas soviéticas, los edificios racionalistas, el Cine Europa y los cines de barrio en general, etc…

Si alguno de vosotros me quisiera echar una mano con alguna pregunta in situ para sacar de él lo máximo posible, y así poder gozar más de sus obras, La Galería Alejandro Sales (calle Julián Romea, 16 Barcelona 934.152.054) sólo agradecería puntualidad y, debido al limitado aforo del local, que “fuerais confirmando vuestra asistencia para acomodaros como es debido”.

Los escarceos africanos de Jacinto Esteva

Puede sonar a legendarias aventuras el que un cineasta de la Escuela de Barcelona, Jacinto Esteva, fuera a África por 1970 para realizar un film para el FRELIMO sobre la nefasta herencia del colonialismo, y que luego montase un negocio de safaris por Centroáfrica al que acudió buena parte de la sociedad barcelonesa con posibles, pero visto hoy lo visto en la Filmoteca, puede ser también no menor aventura el proceso para encontrar la pista de la(s) películas resultantes.

A inicios de 1975 Esteva explicaba que ya tenía “Del Arca de Noé al pirata Rhodes” montada, y sólo le faltaba un empujón económico para hacer las mezclas y acabarla. Y que había realizado en África otra película, “La ruta de los esclavos”, para la TV alemana.

Tras la muerte de Esteva, su hija Daria se pone en contacto con Joaquín Jordá y le pide, siguiendo “el encargo del cazador”, montar lo que su padre había filmado por África. Jordá se mira las que dice que debían ser “unas diez horas de filmaciones del 1970, principalmente hechas en Mozambique”, y, según sus propias palabras, le vienen tantos recuerdos encima, que “algo se le removió por dentro”. De todo ello surge un fracaso (no monta más que alguna secuencia menor del material por África), pero surge una obra absolutamente mayor, la obra maestra de Jordá, un agridulce retrato sobre su amigo Jacinto Esteva y un aún más ácido retrato sobre su generación, sobre la Gauche Divine: “El encargo del cazador” (Joaquín Jordá, 1990).

En la sesión de hoy, comentadas por Manel Esteban y Romy, que le acompañaron en muchas ocasiones africanas, se ha pasado un montaje de una hora con parte del material de unas 5 o 6 horas que se conserva de la primera y de las algo más de 2 horas que se conservan de la segunda, sin banda sonora, mientras que Amado Rodriguez, miembro de Ebra Safaris en 1973, ha comentado el film de s-8 que rodó entonces, que también se ha pasado. Esteve Riambau, el director de la Filmoteca, ha hecho una presentación aclaratoria del todo punto necesaria y luego, en el coloquio, ha pedido al auditorio más datos para ver si es posible completar estas obras, así como otra de la que sólo se tienen referencias orales, que en teoría realizaron Jacinto Esteva y Pere Portabella, en una fiesta en homenaje de Picasso, celebrada por el PC en el sur de Francia, con corrida de toros incluida. Si alguien sabe dar alguna pista más de la sesión que se pasó en la Filmoteca en 1989, con el nombre de “Mozambique” o sobre este rodaje a Picasso, debe saber que será muy bienvenida.

Las imágenes de lo que se ha visto de “Del arca de Noé al pirata Rhodes”, algo fuera de foco, tienen principalmente un interés etnográfico, con el reflejo de ritos y celebraciones en algún poblado. Chocan, por lo jocoso, las escenas de la preparación de un banquete con el jefe de policía, y por lo dramático, las del mico crucificado puesto de cebo para cazar a un leopardo. Cuesta ver qué película podría sacarse de estas secuencias, pese a que comentan que existe un guión anotado muy completo.

En “La ruta de los esclavos” las imágenes –muy interesantes- se concentran en una ruta en barco por río. Hay también unas atroces escenas de los latigazos mandados ejecutar por un juez local, en un poblado.

Por último, resulta francamente interesante también ver cómo era el campamento base y alguna de las acciones de los safaris.

Dong

Al mismo tiempo que rodaba “Naturaleza muerta” (“Still Life”, 2006), Jia Zhangke seguía los pasos del pintor Liu Xiao Dong por la construcción de la presa de las Tres Gargantas en el documental “Dong”, que hoy se ha presentado en la Filmoteca dentro del ciclo “Per amor a l’art”, que sigue las relaciones entre cine y pintura.

Liu Xiao Dong forma parte de esa nueva generación de pintores chinos que ha empezado a mostrar sus obras tras acabar de estudiar en la pasada década. Es el segundo caso reciente en que me topo con uno de ellos cuyas escasas (en este caso) declaraciones sobre su trabajo me parecen de lo más infumables. Si sus dos pinturas cuya elaboración registra (sin mucha profundidad) la película son obras realistas que yo no juzgo excepcionales, pero sí visibles, Liu es un tío realmente feo, al que además Jia Zhangke le pesca en un par de secuencias durmiendo de forma, digamos, no muy fotogénica (yendo, por cierto, a entregar unos regalos de lo más hortera a los hijos de la familia rural de un fallecido).

Puestas así las cosas, lo mejor es, creo, dejarse llevar por lo que documenta adicionalmente la película: el entorno de los trabajos de construcción de la presa de las Tres Gargantas, por un lado (del que hace un cuadro panorámico de sus obreros descansando, jugando a las cartas, en una terraza) y el atiborrado Bangkok a donde ha ido a pintar un cuadro de un grupo de chicas que trabajan en el comercio del sexo.

El caso Rocío

El próximo miércoles se pasa en la Filmoteca “Rocío” (Fernando Ruiz Vergara, 1980), un documental centrado en el rito rociero que tiene el triste honor de ser el único film censurado por una sentencia judicial ya en época post censura franquista. Y hoy he ido a ver en la misma Filmoteca “El caso Rocío” (José Luis Tirado), en la que se desvela el proceso seguido para la elaboración y posterior censura del primero.

Según queda claro a base de entrevistas a quienes participaron, al margen de la constatación de que en la romería se juntan muchas cosas que poco tienen de religioso, lo que sin ninguna duda ocasionó esa persecución y sentencia fue que en la película se habla y se dan nombres de las personas que ejecutaron la terrible represión, los primeros días de la guerra civil, en el pueblo de Almonte.

En la foto, Fernando Ruiz Vergara entrevistado para la película en su habitación de la residencia de cuidados continuos portuguesa, poco antes de su fallecimiento. Es precisamente ahí donde tiene lugar una de las secuencias más emotivas del film: Cuando Ruiz Vergara explica cómo hicieron, a base de atemorizarlo hasta el límite, que se desdijera de las acusaciones al pobre campesino de 72 años que, con gran valor, había señalado el nombre del autor de una absoluta atrocidad que él mismo presenció.

Es “El caso Rocío” un film sencillo y, además, honesto, hasta el punto de dejar en su metraje final las explicaciones de cada miembro del equipo que hizo el film (entre los cuales un grupo de portugueses cuarteados con el entonces relativamente reciente 25 de Abril y hasta Salvador Távora, que cantó y se encargó de la música), incluidas unas cuantas divergencias de fondo.

Marnie en Stavanger

Hay un error de escala evidente. La foto está tomada en Stavanger (Noruega), a final de agosto 2013. Personalmente lo encuentro mucho más amenazante que al barco de "Marnie". Y llegamos a ver tres de éstos, similares, enormes, en un espacio reducido.

El pensament social de Pasolini: un passat present

El de la foto es el reloj de Antonio Giménez Merino, heredado de su padre, y pieza básica en su explicación sobre “El pensament social de Pasolini, un passat present”, conferencia inaugural del Projecte Pasolini Barcelona, que hoy se ha presentado en sociedad en el Instituto Italiano de Cultura de esta ciudad.

Giménez Merino ha utilizado los remaches de níquel que su padre aplicó al reloj para hablar de una última generación que aún sabía hacer cosas con sus manos. Pero no se ha contentado con ese ejemplo personal, sino que, espoleado por ese heterogéneo grupo que quiere ver lo aplicable que puede ser la herencia de Pasolini en nuestros días, o sus posibles huellas en una serie de prácticas actuales, ha extendido una serie de hilos, en varias direcciones, para que fueran explorados y trabajados en el seno de este proyecto.

Previamente, tras la presentación de Roberta Ferrazza, directora del Instituto Italiano de Cultura (que ha hecho evidente su predisposición para con esta iniciativa), Xavier Perarnau ha lanzado un panegírico sobre la utilidad de lo inútil, ha explicado los pasos dados hasta el momento y ha señalado los próximos hitos (en forma de una serie de sesiones y coloquios) del proyecto.

No será, en absoluto, una tarea fácil: Cuando Antonio Giménez Merino estaba convenciendo al auditorio de que era imprescindible, para reflexionar, parar el tiempo, han sonado uno después de otro un par de teléfonos móviles de entre el público. Pero se ha de intentar, y el empeño merece, indiscutiblemente, éxito.

 

Gene Tierney

Iba a poner “Retrato de la ingeniera”, cuando me he dado cuenta de que la ingeniera no era ella, sino Hedy Lamarr. Pero bueno: pese a ello no estaba nada mal. La foto la he robado de Laurent Chollet.

De oculta philosophia

En los mapas antiguos, para señalar esos terrenos desconocidos alejados de la transitada costa, rotulaban “Tierra Incógnita”. Como en busca de algo así me he sentido hoy al acudir a la Filmoteca a ver “De occulta philosophia” (2012), y una expedición no tan desde cero, pero similar, me parece que fue la de Daniel Villamediana en pos de la música barroca, con el objetivo de analizar cómo se podía captar su sentido desde el cine.

Lo consigue con un dispositivo doble. Por un lado siguiendo a Titus Crijnen, un luthier residente en Sabiñán (Zaragoza), en su proceso de construcción de un clave. Por otro, filmando a los músicos de La Reverencia tocando en un par de iglesias (una de ellas con unos preciosos frescos), de Lietor (Albacete) y reflejando, paralelamente, con unos cuantos planos intercalados, el paso del tiempo por el pueblo y las ocupaciones de los mismos músicos, así como unas pocas conversaciones que, bien atendidas, te ofrecen una clave para escuchar con mucho más provecho a este tipo de música. Según ellas, habría que llegar, al oírla, no sólo a captar su valor histórico, sino las sensaciones varias (sobre el amor, la felicidad, los temores, la muerte…) que en la época trasmitían a su auditorio.

Las interpretaciones musicales de las obras, en general de los no más conocidos músicos del Barroco, están recogidas, excepcionalmente bien, en sonido directo, con una sola cámara y un único micrófono, lo que implicó una creciente fragmentación de las tomas.

Tras ver el film, me he quedado con una doble y satisfactoria sensación: Si en un pueblo como Sabiñán hay un luthier como Titus, trabajando de forma tan artesanal y completa; si (como han asegurado en el coloquio posterior) por toda la Península hay desperdigada una nueva generación de intérpretes musicales, muy bien formada, que está dando nueva vida a la música antigua (aquella que supone una tradición interrumpida, dicen en el film), no todo está perdido. Eso, como primero. Lo segundo, que, personalmente, creo que la película me ha ofrecido las herramientas para poder precisar en el dibujo de los mapas algún trozo más de esa Terra Incógnita.

Hay por aquí bastantes amantes de la música y la pintura barroca. No debieran, por nada del mundo, perderse esta sencilla, pero hermosa, espléndida película.

Alexandra Bastedo

Se me pasan las cosas. Acabo de enterarme de que el pasado mes de enero murió Alexandra Bastedo, presencia insólita en las series de los años 60, y luego en el cine de terror patrio (en el que, mucho más tarde, supe que había hecho dobles versiones, acentuando el elevado grado sensual que ya de por sí tenían sus films. Enrique le podría dejar un rinconcito junto a Faye Dunaway, o Cibil Shephard…

Se la llevó un cáncer, a los 67 años, decía la noticia de El País que, no sé cómo, no leí en su día, y de donde he sacado esta fotografía, con espejo y todo. Porca miseria.

The touch

Postals – 224

“John Dos Passos. Os Óculos do Escritor”

(Centro Cultural John Dos Passos, Ponta do Sol)

De una película “menor” de Ingmar Bergman, “La carcoma” (“The touch”, 1971), que a mi siempre me ha gustado mucho, recuerdo especialmente su escena inicial: Bibi Andersson va a ver a su madre a la clínica y, sin que nada de eso hubiera pasado previamente por su cabeza, descubre que han vaciando su habitación, que presenta el colchón enrollado, desnudo, sobre el somier de la cama. Se acerca a la mesita de noche, y allí, al ver las gafas de su madre como si ella las hubiera acabado de depositar cuidadosamente, rompe a llorar.

Ese poder evocador sobre una persona desaparecida que tienen sus gafas fue tenido en cuenta, claramente, por los responsables de la exposición “Tres percursos literarios”, que entre otras cosas se refería al escritor americano, de ancestros de la isla de Madeira.

 

Circe

Me dice Cinthia que "Circe" (Manuel Antín, 1963, sobre un cuento de Julio Cortázar, que ejerció de co-guionista) está llena de espejos, y con la sesión que hicimos sobre ellos ya pasada, lo compruebo, y es más que verdad: está repleta, rebosa espejos. Los hay que muestran y subrayan la conversación totalmente banalizada de los padres de la pareja, otros que dejan claro el distanciamiento que en la escena alcanza entre sí esa misma pareja, los hay multiplicadores de la figura protagónica pero, sobre todo, yo veo en la película espejos que constatan la soledad del personaje de Graciela Borges, que sólo tiene para sí a su imagen, a la que mira y, con el tiempo, acaricia, hasta el punto de entregarse totalmente.

Es "Circe" película de espejos, pero también de vallas, de barrotes, de encierro. Delia está encerrada en la oscura casa de sus padres, con el recuerdo de sus dos pretendientes previos, suicidas o muertos que aparecen una y otra vez, en una rotación constante con Mario, que no sabemos si logrará sacarla de ahí o quedará a su vez atrapado, siguiendo la maldición, las habladurías del vecindario, que aíslan aún más la casa y a sus habitantes. La casa tiene precisamente una puerta con elementos metálicos, y un pequeño jardín delantero, separado de la calle exterior por una valla repleta de barrotes, como es de barrotes la cama de Delia.

Es una película inmersa en las nuevas olas de los años sesenta, que creaban un nuevo lenguaje. Como en los films de Godard, no hay que esperar racords perfectos, y la escena salta de un plano actual a otro similar previo con otro personaje, o a otro, para volver al actual, como salta a la repetición una y otra vez del mismo movimiento. Si a eso le sumamos algún movimiento de cámara con imágenes de vacíos, y ese efecto que el sonido (nunca directo, siempre doblaje) de esa época proporciona, que parece de un nivel diferente de la imagen, convendremos en que estamos ante una película que altera, porque por un lado distancia, y por otro envuelve como una tela de araña.

6 comentarios

Crítica cinematográfica

Hoy, mañana soleada de sábado, dónde se iba a sentir uno mejor que asistiendo a una sesión de las I Jornadas sobre crítica cinematográfica que ha organizado la omnipresente Associació Catalana de crítics i escriptors cinematogràfics (ACCEC).

La cosa iba de “áreas inexploradas de la crítica”, con presencia de gente (en la foto) procedente, además de del entorno de la crítica cinematográfica, del de la artística y musical, así como del video-ensayo. Al final, no obstante, tras discusiones a veces semánticas, a veces intuitivas, a veces arrimadas a la propia alforja, sobre análisis, pensamiento, lenguaje y teoría, se ha visto que quizás lo único no demasiado explorado eran las experiencias abiertamente frikies de montajes sincopados de Youtube. Paso.

Ricard Salvat

La Fundació Ricard Salvat, impulsada por su familia (su mujer, Nuria Galobardes, y sus hijas, Neus, Núria y Eulàlia) está poniendo a punto su web, aún medio hilvanada. Ha colgado ya en ella el documental que en 1998 le hizo Martí Rom (dentro de la serie de monografías que hemos ido haciendo para la Associació d’Enginyers).

No es de los documentales de Martí Rom que a mí más me gustan, pero viéndolo ahora, como se dice por aquí, “Déu n’hi do” la información que aporta sobre el director teatral.

Pongo aquí el enlace. (Es un documental en catalán, que dura 26 minutos).

http://fundacioricardsalvat.org/entrevistes/

La foto la he sacado de una web que no lo pone, pero está hecha (firma a la derecha) por Mariona Millà.

Fritz Lang por Schiele.

Consultando el último libro de la colección “Programa doble”, el correspondiente a “M, el vampiro de Düsseldorf” y “Rocco y sus hermanos” (Rafel Miret, Libros Dirigido, 2005), esta ilustración, que me ha resultado interesante.

Llibres - 123/124: Los grandes nombres del cine

Llibres – 123/124

Ciertamente no se trataba de encuadernaciones ejemplares (incluso uno de los tomos tenía mal la paginación, y le faltaban unas páginas), pero el hecho de que los tenga desenganchados, con trozos sueltos, indican que son obras de (buena) consulta.

Villegas López ofrecía la oportunidad de dar noticia bien fundada de los realizadores (y algunos de sus actores y películas) que eran, ciertamente, y sin lugar a dudas, los grandes nombres del cine. Ahora leo en el prólogo que fue apareciendo originalmente (años 1963-65) en la revista Triunfo en forma de separata, y que estos volúmenes son únicamente su actualización y compilación.

Cada capítulo da cuenta de uno de esos grandes nombres, sin virguerías expresivas, pero documentada y sólidamente, sin excentricidades. Quien conozca bien ese alrededor de centenar y medio de nombres puede decirse que sabe de qué va esto del cine.

Manuel Villegas López – Los grandes nombres del cine. Vol I y II

(Editorial Planeta, Barcelona, 1973)

Presentación Projecte Pasolini Barcelona

Para reservar tiempo en la agenda: Próximo miércoles 26, presentación en sociedad del Grupo Pasolini Barcelona. Para empezar a abrir boca de las actividades que pretende programar este nuevo y heterogéneo grupo.

Es inevitable que, llamándose así, el Grupo incida en la figura de Pasolini, como escritor, cineasta, pensador, político,… Pero, en buena parte, intenta también buscar la posible incidencia que, casi 40 años después de su asesinato, puede obrar en el mundo de hoy.

Varias veces nos hemos dicho que qué bien iría disponer de un pensamiento crítico como el suyo en nuestros días. Así, buena parte de los trabajos anunciados irán en búsqueda de los posibles Pasolinis actuales, o de las ideas que podrían seducir a Pasolini hoy en día.

A mí, personalmente, esa es una línea que, más allá del análisis teórico en profundidad de sus ideas, me atrae…

 

El hombre que mató a Liberty Valance

Una recomendación: No dejar pasar en la Filmoteca de Barcelona (de hoy en una semana, el jueves 20 a las 19,30h) la primera sesión del ciclo "L'espai com a protagonista", que organiza Arquinfad. Yo no podré ir, y estoy por ello con un desasosiego grande.

Todos hemos visto ya "El hombre que mató a Liberty Valance", pero al margen de que es una película que gana con el tiempo, y siempre se descubren cosas en ella, es que esta vez, además, la presenta Antoni de Moragas, y eso garantiza una sesión plena productora de regocijo.

Moragas es conocido como arquitecto y diseñador, y como profesor de EINA y de la Escuela de Arquitectura, pero lo que pocos conocen es que tiene un pasado como escritor cinematográfico (fue en tiempos hasta más revueltos que los de ahora la explosiva combinación de "marxista-langiano") y su pasión por el cine, que nunca le ha abandonado, está volviendo a tomar mucha fuerza. Doy fe de que tiene a "El hombre que mató a Liberty Valance" como una cumbre de Ford y del cine tout-court, y que suelta una cita de la película a poco que se tercie. Eso se notará sin duda en la presentación del film, en el que ahora ha encontrado unas estructuras internas que tiene previsto comentar.

Y puesto que se trata de sus comentarios, decir que he tenido la suerte de coincidir en sesiones de variado pelaje en las que él formaba parte de una mesa redonda, o simplemente del público participante. Ayer leí por aquí las críticas que hacía Gonzalo García Pelayo al cine que quiso instaurar Pilar Miró. Pues bien: Las intervenciones de Antoni de Moragas en esas sesiones han sido siempre un regalo para la audiencia, y lo más alejadas que pueda uno imaginar del muermo "de qualité", pero sin ningún alma, que sembró Pilar Miró, mientras que estaban bastante cerca del gracejo, de la vida que rebosa en los personajes de las mejores películas de García Pelayo.

Le he pedido una foto de su presentación, para hacer este anuncio de la sesión, y me ha pasado ésta del rodaje de la película, con un triángulo de personajes más que interesante, mientras me ha comentado lo inimaginable que se le hace pensar un Liberty Valance en color...

Alegrías de Cádiz

Azoteas, calles, playas y gentes de Cádiz.

Por fin he visto hoy "Alegrías de Cádiz", aprovechando que se ofrece libre hasta el 16 de febrero (http://www.margenes.org/…/gonza…/alegr%C3%ADas-de-cádiz.html). La he visto sin poder apagar la sonrisa, hasta que Lucy, que "también es Cádiz", explicando porqué para ella se acabó el mundo, me ha humedecido los ojos. Luego vuelta a la luz radiante, hasta que nuevamente, esta vez con una canción de Aruz, volvió la duda acuosa.

Contiene un magnífico casting para el papel de Pepa con cuatro chicas muy diferentes, que se resuelve en empate; bailoteos varios; algún cante; ocurrencias poéticas; títulos derivados de esa fuerza poética, que puntúan y subrayan (como este tan evocador: "Mientras mi mano toca una rodilla en un cine"); un personaje con verborrea y pasión amatoria de apisonadora y otro sembrado de dudas; un homenaje a "Le Mépris", también junto al mar, pero con sombrero en vez de libro; conversaciones, tanteos y confesiones varias mientras se toman unas cervezas; placas y detalles de hermosos rincones de la ciudad; marea baja; besos junto al ficus centenario; la vista de la caleta salpicada de barquitas; el hermoso recuerdo de la dinámica de grupo frente al mar y, toda la parte final, una buena ensalada de chirigotas.

Walter Ruttmann hizo "Berlín, sinfonía de una ciudad" y ahora Gonzalo García Pelayo ha sacado de Cádiz, si no una sinfonía, un buen retrato, con una de sus películas más libres, diciendo que monta una ficción en ella, pero seguro mostrando sus alegrías, bulerías y todo lo que se tercie. ¡Qué bueno que ha vuelto al cine! ¡Qué andanada de aire fresco que representa!

El Gatopardo

Martí Rom se dio cuenta ayer, viendo de nuevo esta escena de “El Gatopardo” (que Pau incluyó muy atinadamente dentro del apartado de los espejos “de transferencia”), de un detalle muy interesante. Justo en la escena anterior, con el Príncipe Salina yendo de farra por la noche, acaba con un gato. Ésta escena, en la que a la mañana siguiente se está afeitando en su palacio, y le va a ver su sobrino Tancredi, se inicia con un perro.

A partir de aquí, es muy posible y fructífero sacarle punta a posibles razones para haber Visconti enlazado las dos escenas precisamente de este modo.

Alegrías de Cádiz

Al final la canción de Fernando Arduán para la película de Gonzalo García Pelayo no se llevó nada en los Goya. Pero es una canción preciosa, que quedará.

Fernando Arduán - De cerca del mar

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Ombres Mestres: Espejos

Hoy ha sido la primera sesión del 4º ciclo “Ombres Mestres. Les lliçons dels grans del cinema”, la dedicada a “Espejos”. Hemos empezado por esta escena de “Lilith” (Robert Rossen, 1964), cuya foto salió por aquí hace unos cuantos meses. Dos comentarios que hemos dejado caer:

La constatación de un escalofrío viendo esta escena de la película, en la que Lilith nota cómo se rompe la imagen reflejo de su rostro tras su contacto con la superficie del agua, y pensando cómo la película entera prefigura (establece una trágica simetría con) el final de la actriz, Jean Seberg.

Y una frase muy bonita que escribió Olivier Père, ex director artístico del Festival de Locarno, que iría perfecta como reclamo de esos publicitario sobre el film: “Film fou sur l’amour, film d’amour sur la folie”

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Casting Les 400 coups

Pruebas de casting para "Los 400 golpes". Los dos últimos cortes, con niño que canta y todo, desternillantes.

Bien hechos, estos ensayos pueden resultar de lo más atractivo. Suelen tener la espontaneidad de la que suele adolecer la película…

Bouts d'essais pour Les 400 Coups

Casting de Jean-Pierre Léaud et Richard Kanayan pour le premier film de François Truffaut, Les 400 Coups (1959).

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