Temps de penobra

Fue, según propia confesión, el regalo que Juncosa efectuó a Pere Portabella en el día en que cumplía 99 años. Ayer, en el aula magna de la Facultad de Geografía e Historia, se presentaba “Temps en penombra. Pere Portabella recorda a Manuel Sacristán” (Xavier Juncosa, 2026).

Sería la película más reciente de Xavier Juncosa, la que haría su número -poca broma- 117, si bien él mismo diferencia claramente entre películas y entrevistas, y ésta es, en realidad, una entrevista, montaje de diferentes tomas de una entrevista con Portabella efectuada por el mismo Xavier Juncosa y Salvador Lopez Arnal, en plano fijo, sobre Sacristán, con una longitud similar a la de un largometraje. La ha rescatado en la actualidad del material que acumuló en 2005 para la producción de la que quizás sea su magna obra en el campo del documental, la “Integral Sacristán” (2006), cerca de 13 horas de apasionante puesta al día del estado del arte sobre el mundo intelectual cultural de por aquí del momento, que se expresa en sus ocho documentales agrupados en un espléndido pack en relación con el filósofo marxista.

Con alguna repetición, lógica en una entrevista de estas características que busca explorar diversas áreas para obtener la máxima información sobre el personaje investigado, el montaje presentado, como se ha dicho en el coloquio, contiene una inapreciable información sobre ambos personajes, Portabella y Sacristán.

Portabella empieza la entrevista, tras alabar la capacidad intelectual de Sacristán, señalando las circunstancias de su primer encuentro con él. Acabado su periodo en Madrid como productor de tres películas fundamentales del cine español (“Los golfos”, “El cochecito” y “Viridiana”, recuerda haber preparado conjuntamente aspectos de la Caputxinada de 1966, el encierro en el que se creó el Sindicato Democrático de Estudiantes. Pero quizás recuerda con más intensidad el paseo que ambos dieron por la Diagonal, por el área de la iglesia de Pompeya, hablando de cuestiones artísticas (una conversación -dice Portabella-, centrada en la música de Mozart y la música barroca, que no podía mantener con ningún otro personaje político que no fuera ese), mientras la policía les cruzaba una y otra vez en una y otra dirección para perseguir a unos estudiantes que por ahí se manifestaban (como se ve, una de las anécdotas sumamente visuales que Pere Portabella gusta explicar).

También cuenta una famosa anécdota que habla de la integridad moral del personaje, como es su presentación, con una muda de reserva, en la Comisaría de Vía Laietana, para confesar ser el autor del artículo por el que habían acusado y recluido a Gabriel Ferraté y exculparlo totalmente. El retrato lo completa hablando del magnífico tiempo compartido por ambos, conversando sobre todo, en una celda donde fueron internados.

Otras reflexiones de Portabella que me parecen muy interesantes se refieren a la sensación de abismo que vislumbró la izquierda europea -y con ella profundamente Sacristán- tras la sucesión de hechos mundiales luctuosos de 1968, entendiendo que esa revolución que podía cambiar el mundo lo tenía difícil para tener éxito próximamente, u otra de buen calado, indicando que los partidos de izquierda habían ido desplazando y apartando a los intelectuales de la dirección de sus organizaciones, y ese comportamiento ha tenido, sin lugar a dudas, mucha relevancia.

La cita se produjo temporalmente en un punto de intersección entre el año Sacristán -que ha cubierto sus actividades hace poco- y la Acció Portabella que se extenderá hasta que el homenajeado cumpla sus primeros 100 años. Esta yuxtaposición se podía apreciar en el aula, donde coincidían profesores de Universidad y seguidores del filósofo (entre ellos un amigo virtual que se me corporizó al final) y otros directores y gente con gran relación con el mundo del cine, algunos no vistos en mucho tiempo.

Tras unas pocas intervenciones, el coloquio se cerró lanzando una botella al mar, para ver si alguien sabe dar razón de una película que en los años cuarenta realizó Manuel Sacristán (de la que Pere Portabella no tenía noticias, pero que Xavier Juncosa había podido saber que se rodó en Sant Feliu de Codinas y era la historia de un sombrero). Salvador López Arnal, para completar esta faceta cinematográfica del filósofo tan absolutamente desconocida, informó que Sacristán también se había presentado al premio de guiones de 1969 y le concedieran un accésit por el suyo. Si alguien puede aportar más información, o llega a saber donde se encuentra la película o el guión premiado, ya sabe….

En la entrevista, Pere Portabella tenía colocado un micrófono de corbata y si alguna respuesta suya no acababa de entenderse del todo era por su costumbre de no acabar del todo las frases de las respuestas que no correspondían a las cosas que quería dejar claras y recalcar, sustituyendo frase por algún expresivo gesto de estar en el ajo de lo que se quiere transmitir, haciendo sobrantes las palabras. A quien no se le entienden en absoluto sus preguntas es a López Arnal, porque no tenía ningún micrófono cerca. En cambio, detrás de la cámara y por lo tanto cerca del micrófono de esta, a quien sí se entienden sus preguntas es a Xavier Juncosa, que revelan, por una parte, su complicidad con Pere Portabella -con quien le ligaba su frecuentado Moyà-, pero, sobre todo, su insaciable curiosidad intelectual, que es la que nos permite gozar de su extensa obra en cine -como ésta- y escrita.

Obsérvese la fotografía proyectada como fondo de pantalla. Proporcionada por Jordi Vidal, quien está revisando para la Filmoteca todo el legado del archivo Portabella, proporciona una insólita imagen, con los dos protagonistas de la sesión en el mismo encuadre. Es en el encierro de Montserrat. Sobre la tarima, Pere Portabella. A la derecha, levantado, Manuel Sacristán. A los pies de Portabella se distingue también el rostro de Gabriel Ferrater.

 

Le roman d'un jeune home pauvre

Como éste son los regalos que, de tanto en tanto, hace la plataforma gratuita TV5Monde: posibilidad de ver la copia restaurada en VOSE de “Le roman d’un jeune homme pauvre” (Abel Gance, 1935).

En principio una película menor de Gance en medio de su empeño de completar y hacer versiones de su magna obra sobre Napoleón, es verdad que la trama de la película no promete grandes cosas (un aristócrata arruinado, todo un elegante caballero de magníficos modales -Pierre Fresnay- se ve obligado, al arruinarse, a buscar un trabajo, que finalmente encuentra como administrador de las fincas bretonas de unos adinerados burgueses, con su heredera desesperada por la cantidad de pretendientes de su dote), pero lo importante es que, hecha en buena parte en exteriores -se nota que Gance ha querido hacer un canto a las bellezas y la vida de los trabajadores agrícolas de Bretaña, o quizás simplemente mostrar su pintoresquismo- muestra un ritmo que no decae en todo su metraje.

La fauna que puebla la gran casa de Bretaña, por cierto, compite en maldad y estupidez con los visitantes del chateau de caza de la unos pocos años posterior “La regle du jeu”.

 

El rey de los cowboys

Aunque no sea ni de lejos el mejor de los Buster Keaton (que suelen encontrarse cuando ofrece su enorme empeño, en combate desigual, para hacerse con el amor de su chica), ante un cierto estado de desánimo que hoy me oprimía volver a ver ahora “El Rey de los cowboys” (1925; recién colgada, restaurada, en Filmin) era realmente lo que necesitaba.

Buster Keaton es el rey del gag, producto que ofrecía hasta a Samuel Beckett para intentar salvar su “Film”, pues le decía que nadie iba a reírse con una película con esos mimbres. Pero ésta tiene además un hilo argumental que me recuerda recientes clases sobre Historia de Estados Unidos a las que he asistido.

Forzado por el hambre a vender todas sus pertenencias en un comercio de su Indiana natal, se desplaza en tren hasta Nueva York y ahí, fortuitamente, da con una estatua de Horace Greeley con su famosa frase: “Go west, young man”. Le hace caso y se monta en otro tren hacia Santa Fé, emulando a tantos que emprendieron la famosa ruta colonizadora hacia el Oeste Norteamericano.

Se enrola como cowboy en un rancho y ahí entabla amistad con una vaca. Suficiente para con eso poder contemplar buena parte de su repertorio: Así, mira el horizonte con la palma de su mano de visera o idea una escalerilla de mano para subir cómodamente al caballo. Por aquel entonces ya había hecho sus grandes películas, y todo el mundo sabía que no había quien hiciera variar el serio semblante de Cara de Palo, cosa que aprovecha para elaborar una escena en la que un malhechor le obliga a sonreír.

Después aún tiene tiempo de conducir él sólo en tren y atravesando la ciudad de Los Ángeles todo el ganado, lo que apareja otra serie de gags, con participación hasta de los Cops y bomberos de la ciudad.

Decididamente, es verdad eso de que Buster Keaton es uno de los mejores remedios contra toda infección sentimental.

 

Las arañas

Por un malentendido mío, no pude ver en la Filmoteca, en sesión únicamente para él, el primer episodio de “Las arañas” (Fritz Lang, 1919). Mi error tuvo sus consecuencias, porque entonces lo tuve que repescar en la sesión doble de ayer, junto al segundo episodio del serial, y la captación de las aventuras de este segundo, más largo que el primero, se me acabó haciendo algo pesada.

Porque de eso se trata, de películas de aventuras. Nunca he sentido la adoración que otros tienen a las entregas de aventuras indias de los años sesenta de Lang -veremos cuando las vuelva a ver-, pero me da la impresión de que, si se valoran esas últimas aportaciones suyas, deberían valorarse también estas primeras, porque les veo, quizás por ese regreso a la infancia que dicen implica la vejez, un mismo espíritu. De películas de aventuras sin más preocupación que atraer y hacer estar atento al público, y sin más trasfondo que el reflejo, entonces, que el de una sociedad que se pierde por los mundos exóticos, que siguen intuyéndose con un espíritu imperialista decimonónico. Fue después, con Thea von Harbou y más tarde aún él sólo, cuando sus films adquirieron el trasfondo político y, sobre todo, social que lo caracterizan.

En el prólogo del primer episodio, “El lago dorado”, un náufrago coloca un mensaje en una botella que arroja al mar, perseguido por un indio repleto de vistosas plumas.

El indio sabremos luego, en el cuerpo del episodio, que se trataba de un inca, y a un país como el de “El templo del sol” de Tintín es a donde va a ir el héroe de la serie, para ver de encontrar un tesoro al estilo de un Indiana Jones (así lo calificó el pianista que amenizó la sesión) cien años antes.

Pero antes de la aventura (en el segundo episodio -“El barco de diamantes”-cambiaremos tesoro por diamantes, pero seguiremos con expedición al mundo inca, no sin antes descubrir una sugestiva ciudad subterránea bajo Chinatown), lo que realmente me gusta son esos ambientes sociales preaventura. Aquí se trata de un elegante club de la ciudad de San Francisco, donde se codea nuestro protagonista con su antagonista que, para que se vea alarde de modernidad, es una mujer.

Éste y el siguiente episodio están repletos de elementos llenos de aroma fantástico: enmascarados que recorren por la noche tejados, penetran en las casas y se esconden tras una cortina (en el mejor sentido de un Feuillade), conjurados que firman sus amenazas y fechorías dejando una enorme araña, disecada, pasadizos secretos, avanzadas para el momento cámaras ocultas que permiten fisgar lo que ocurre en otra habitación, una paloma mensajera, un sabio bibliotecario que ayuda a descifrar un mensaje o practicantes de hipnosis. También de elementos que denotan la modernidad del momento, como un biplano o medios de comunicación sofisticados. Aunque lo que más abunda -y es cuando se alargan los minutos- son secuencias de típico cine de entretenimiento: anaconda amenazante, persecuciones al galope, viaje en globo, balaceras tremendas o reacciones letalmente acvariciosas ante el descubrimiento de la existencia de oro.

También he dado con secuencias cinematográficamente atractivas, muy destacables, como el desplazamiento hasta el sur de Mexico en una especie de tren jardinera extraordinariamente cómodo, un reflejo en el cristal de un balcón que avanza la visión del exterior al que acudirá el personaje y un yogui indio, con su turbante, en un misterioso entorno de sombras.

La serie parece que estaba previsto que estuviera cubierta por cuatro episodios, pero se quedó en estos dos. He salido pensando si fue debido a lo mal que le sentaba la chaqueta al actor protagonista.

 

El camino a Shoah

Viendo la secuencia inicial de “El camino a Shoah” (“Je n’avais que le néant. Shoah par Lanzmann”; Guillaume Ribot, 2025), que acaba de colgar Filmin en su plataforma, he tenido un fuerte impulso de dejar de lado su visión.

Tras un rótulo que explica que la película está hecha a base de diferentes recuerdos del propio Lanzmann y sus filmaciones del momento para la película, vemos un par de rushes en que su mano pone en marcha la radio del coche, pasando a sonar el Allegretto (nada alegre, sino un mucho de solemne y bastante mortuorio) de la 7ª Sinfonía de Beethoven y en off, mientras le vemos su cara conduciendo, oímos a Claude Lanzmann.

Ahí viene el problema. Te da la impresión de que esté leyendo directamente de su libro de memorias “La liebre de la Patagonia”. Pero, mientras ahí eres tú quien le pones tu voz, aquí es al propio Lanzmann a quien oyes decir, enfatizando, lo mucho que sufrió para dejar para la historia su monumento sobre la inmensa barbarie y, siendo eso cierto, te produce cierto malestar su asuncion de ese protagonismo emocional.

Pero poco a poco, viendo los descartes finales de la película, o cosas de las fases preparatorias rodadas, recordando a lo que envuelven, te vas rehaciendo.

Producida (co) por Dominique, viuda de Lanzmann, está claro que ha querido hacerle un homenaje, absolutamente pertinente si se ve la obra que dejó de su trabajo, y visto así, todo retoma su hogar.

En uno de los planos finales, rueda a uno de los que encabezaron la resistencia en el ghetto de Varsovia. Como se ha convertido en un alcohólico -que razona ante la cámara las más que convincentes razones para su situación actual- las autoridades religiosas judías han exigido que no apareciera en “Shoah”. Tras oírlo expresarse -y en verdad emociona- Claude Lanzmann le abraza, reposando su cabeza en su pecho. El plano se mantiene. De haberlo montado Lanzmann habría repelido, pero hemos de entenderlo como es, pieza final para una película en homenaje suyo. Así vale.

 

Historias del buen valle

Primero sobre la película. Como ya se trataba de revolver a ver, iba con la idea de en esta ocasión observar cómo se desarrollaban en ella ciertos detalles específicos, intentando confirmar lo que me rondaba por la cabeza. Pero imposible: fue ayer (preestreno en el cine Balmes) empezar a ver “Historias del buen valle” (José Luis Guerin, 2025) y dejarse llevar por ella y sus mecanismos de captación del espectador. La perfecta proyección ayudó un montón en este sentido, dejándote clavado a la pantalla, de magnífica definición y colorido.

Me he quedado recreándome, inicialmente, en esa transición desde el prólogo (la película en subformato y blanco y negro rodada por el barrio) hasta el cuerpo de la película, acompañando la aparición del título. Como la tengo reciente, me ha recordado a esa escena del Kubrick del “2001”, llevando de Júpiter a más allá de las Estrellas, mediante un caudal de partículas de colores, que aquí intuimos son las luces de los automóviles que pasan por la noche por las autopistas.

Lo que ha quedado del casting en la película ya nos hace ver a varios de los personajes que se desarrollarán más adelante. Me ha gustado mucho apreciar, en esas escenas y las que las siguen, lo bien peinados y arreglados que suelen aparecer sobre todo niños y chicas para aparecer ante la cámara. No parece ser ese el caso de la mujer portuguesa, que antes de las delicadas escenas por los prados con su nieta, canta y baila cubierta con una camiseta sudada que se le pega al cuerpo pero, sí te fijas bien, también ella se ha colgado del cuello un collar y colocado en su cabeza una corona de flores.

Abandonadas mis intenciones de análisis, me ha vuelto a pasar eso de que ciertos planos de la película me han recordado a otras películas previas, de toda condición, del mismo Guerin. La exploración de las ruinas de una casa que ahora es casi sólo alguna pared y pavimento, agujereado por árboles, apela de manera directa a esa exploración inicial de la casa abandonada de “Inisfree” en la que aún se llega a escuchar las voces de los que la poblaban. ¿Cómo no pensar en la conversación entre el obrero en la obra y la chica en el tendedero de su casa de enfrente, en un nivel ligeramente superior, de “En construcción” al ver al hombre mayor hablando, mirando desde el suelo hacia arriba a la mujer en su balcón detrás de su tendedero? La existencia de un vidrio por el medio entre la cámara y algún personaje provoca unos reflejos que dejan ver a su vez a otros personajes y simultáneamente revela el pudor de la cámara para inmiscuirse directamente en una conversación, exactamente como pasaba, por ejemplo, en “La academia de las musas”. Esos paseantes cargados con los árboles que quieren trasplantar, circulando por la loma de una colina, me llevan no sólo -como he leído- a la cadena similar de personajes simbólicos de “El séptimo sello” tomados en contrapicado, sino a las primeras emulaciones de ésta y otras películas que en sus primeros tiempos, cargado con su cámara de Súper 8, intentaba ya entonces hacer. Pero me gustaría que quedase claro que no se trata de ninguna falta de recursos, sino de existencia de un mundo propio… a través del que explica mundos diversos.

Una de las cosas en las que me habría querido fijar son las transiciones entre planos. Hay una bellísima: una foto del monaguillo está encadenada con la foto en bañador de la que será su mujer. Otra era las miradas / cambios de plano atendiendo a esas miradas.

Pero hay muchas cosas que observar con detalle y quedar admirado. Hay unos cuantos planos en que crees estar en pleno campo y el plano siguiente, con la cámara más alejada, otro punto de vista o simplemente dejando pasar un poco de tiempo te permite ver que ese idílico escenario está en realidad pegado a un bloque de pisos, una fábrica o una vía de tren. Otros planos relevantes son los de los nuevos bloques residenciales de pisos. De una primera impresión de estar observando a un grupo escogido, de un piso determinado, pasamos a detectar que, procedentes de todos los rincones más alejados entre sí del mundo, todos los personajes que hemos ido viendo guardan relación entre sí en tanto en cuanto que vecinos de al lado, arriba, abajo o enfrente.

Y ya sólo comentar una cosa muy sencilla pero cargada de sentido y bien hermosa: La dedicatoria de la película que hemos visto a cuatro amigos del mundo del cine recientemente desaparecidos, de origines diferentes, efectuada a cada una en su idioma, surge cuando por el agua del Rec circula una pequeña corona de flores.

Luego el coloquio, al que se prestó su director. Le iba a interrogar Violeta Kovacsis, pero el público apenas le dejó hacer la pregunta inaugural y luego ya se encargó de no dejar de felicitar y preguntar a Guerin durante un buen rato.

Un Guerin, ya se sabe por ocasiones anteriores, que convenció a la sala entera primero con la película y luego con sus siempre amables y muy razonadas explicaciones, dejando ver de forma clara todo el proceso de elaboración seguido y lo concienzudo de sus reflexiones teóricas dando forma al material rodado.

Anoté alguno de sus comentarios: que ahora copio por aquí:

-Un primero caracterizando a Vallbona como barrio totalmente ignorado de Barcelona: Hizo notar que la señal de bienvenida a la ciudad no aparece hasta el puente de Sarajevo, cuando hace ya tiempo que se ha entrado en el barrio olvidado de la película.

-A un espectador que le agradecía que siguiera haciendo cine y de este nivel, le respondió agradeciéndole, a su vez, que siguiera él viéndolo. Porque cada vez es más difícil hacer que la gente vaya a ver cine, remató.

Se alzó la voz de quien incitó su “En construcción”, Jordi Balló -entre el público- para piropearle por una película que, comentó, le dejaba admirado. Detalló que había apreciado en ella una profundidad de campo que no es habitual en sus películas previas. En un extremo o por el fondo de cada plano -comentó- hay un personaje que evoluciona, ajeno a lo del personaje o grupo central. Guerin le respondió que eso de cargar tanto el plano era para dar peso a unos planos digitales que, si no es de esa manera, pueden resultar muy chatos o banales. Por eso mismo siempre hace moverse una planta debido al viento por delante, un animal o persona cruza por un lado, o por el fondo pasa un tren.

Balló dijo también otra cosa interesante: que siempre el cine que ha hecho Guerin ha servido de inspiración y modelo para otros cineastas. La cineasta india Payal Kapadia, por ejemplo, se ve que en una entrevista había agradecido al cine de Guerin la libertad que le había trasmitido haciéndole ver que se podía circular perfectamente entre documental y ficción. Y él, Balló, tras ver la película, se frotaba las manos pensando en lo que empezarían a hacer otros cineastas a partir de su visión de ésta.

Me ha gustado, también respondiendo a un espectador, cómo decía haber hecho desaparecer paulatinamente su propia persona (al inicio en forma de voz, en el casting, luego como presencia detrás de la cámara a quien se dirige algún personaje del barrio) hasta que el protagonismo pertenece ya totalmente a los habitantes del barrio, sin atisbo del director de la película por ningún lado.

Un último comentario que anoté, dentro de la proliferación de temas surgidos (el coloquio, al que se quedó casi toda la platea, resultó en esta ocasión muy rico: he tenido ocasión de ver la gira que le ha preparado la distribuidora a Guerin para promocionar el film y, de tan mareante y agobiante, con tantos entrevistadores en un mismo día, se me hace difícil pensar que pueda seguir, pasados unos veinte días que dura, tan fresco y convincente, dotando de sentido a todo lo que diga) fue ese objetivo de la película de que el Vallbona retratado pueda actuar realmente como caja de resonancia y explicar a su vez muchas cosas más generales, que afectan mucho más allá de ese pequeño enclave. Y acudió al símil que -dijo- le gusta hacer: como una hoja que, en su pequeñez, permite prefigurar cómo será el árbol entero.

Y para acabar lo que me ha dicho un amigo, Xavier Juncosa, él también cineasta, con el que estuve en el cine viendo la película: Guerin sigue siendo el rey.

Guerin y Kovacsis

Francesc, quien lo ve todo en forma de western, en el precioso plano de la película a lo Friedrich.

Personajes entrañables…

La nieta atenta a lo que le explica su abuela. También hay unas cuantas secuencias con niños denotando su expresividad increíbles, muy divertidas

Alba Lombardía y Guerin, tiempo después de proyectada la película. Ella había quedado hoy a las 8 de la mañana para asistir a la instalación de la carpa que iba a colocarse en Vallbona, para proyectar la película, antes de que se estrene, a los habitantes del barrio.

 

Ombres Mestres XIV

Hem trigat a anunciar el XIVè cicle d’Ombres Mestres del Cineclub Associació d'Enginyers perquè ha sobrevingut la indisponibilitat de la sala el dia que teníem previst per la seva segona sessió, no havent trobat una alternativa fins avui.

Com sempre hem fet en aquest seminari, intentarem parlar de tres temes, a un per sessió setmanal, a partir de la visió i comentaris sobre seqüències de pel·lícules especialment escollides..

Les tres sessions i temes d’aquest any seràn:

1- Dilluns 9 de març. Ombres Mestres XIV - Pluja

És estrany que la pluja aparegui en una pel·lícula de forma gratuïta, entre altres qüestions perquè suposa afegir complexitat al seu rodatge. Ens fixem en unes quantes seqüències en les que aporta una indubtable carga dramàtica.

-Dilluns 9 de març, de 18h a 20h (puntualment) a la sala Pompeu Fabra del Col·legi/Associació d'Enginyers (Via Laietana, 39 5è pis, Barcelona)

-Tel. 933192300

-Entrada lliure

-https://agenda.eic.cat/jornades/1136199

2- Dimarts 17 de març (Atenció: dimarts i no dilluns!!!). Ombres Mestres XIV - Comèdia Italiana

Una de les principals raons que va fer popular el cinema italià, a més de l’onada d’influencia que va suposar el Neorrealisme, va ser la seva gran dedicació a la comèdia. Ens volíem estendre per la seva època daurada (de la postguerra a l'any 1963), però hem volgut fer també una exploració cap a la més desconeguda comèdia italiana de la prèvia època feixista -un antecedent evident-, trobant coses molt populars i divertides.

-Dimarts 17 de març (atenció: no dilluns!) de 18h a 20h (puntualment) a la sala Pompeu Fabra del Col·legi/Associació d'Enginyers (Via Laietana, 39 5è pis, Barcelona)

-Tel. 933192300

-Entrada lliure

-https://agenda.eic.cat/jornades/1136242

3- Dilluns 23 de març. Ombres Mestres XIV - Trucs i truques

Avui en dia pel·lícules senceres son producte del treball amb la imatge d'un ordinador que ho sap fer tot, però quan s’elaboraven sobre una base de pel·lícula de cel·luloide, a vegades, si el que s'havia impressionat durant el rodatge es volia aprofundir, s’utilitzaven les denominades en el mitjà truques. Identificarem el paper d’unes quantes, com les sobreimpressions, encadenats, tractament del color, etc.

-Dilluns 23 de març de 18h a 20h (puntualment) a la sala Pompeu Fabra del Col·legi/Associació d'Enginyers (Via Laietana, 39 5è pis, Barcelona)

-Tel 933192300

-Entrada lliure

-https://agenda.eic.cat/jornades/1136200

Estaríem molt contents si podeu i us ve de gust assistir.

Cineclub Associació d'Enginyers

 

La mortaja no tiene bolsillos

“La mortaja no tiene bolsillos“ (“Un linceul n’a pas de poches” (Jean-Pierre Mocky, 1974) tiene todos los ingredientes que suele ofrecer Mocky en sus películas.

Un periodista (el mismo Mocky) renuncia a su empleo en un diario que, atado al poder, no permite denunciar al hijo de un notable y funda su propia publicación. Desde ella se lanza a publicar escándalo contra escándalo, poniéndose a todos, de un extremo a otro de la sociedad, en contra.

Un par de horas de acción dinámica (el periodista va de un lado a otro, de los salones más sofisticados hasta los rincones más miseros, sin descanso), con palizas, persecuciones, flirtreos…

Y todo el elenco del cine francés -ventajas de ser amigo de todos- paseando por sus títulos de crédito: Michel Galabru, Daniel Gelin, Michael Lonsdale, Jean-Pierre Marielle, Myriam Mezières, Michel Serrault, Sílvia Kristel… y otros cuantos que ni siquiera aparecen nombrados.

La pasaron por el canal TV5Monde hace unos pocos meses.