viernes, 13 de noviembre de 2026

In Which Annie Gives It Those Ones

Las directoras de L’Alternativa y el CCCB, acompañando a Arundhati Roy en su breve presentación de la película.

Arundhati Roy en el film.

Éste no, pero otro estudiante que lleva muchos años intentando graduarse, Annie, tiene un par de gallinas para ayudarse en su sustentación vendiendo sus huevos.


L’Alternativa - 1
Pues la primera película proyectada por el festival fue no la de su inauguración, sino “In Which Annie Gives It Those Ones” (Pradip Krisen, 1989), en una sesión que, si no lo entendí mal, se organizaba conjuntamente con el CCCB, porque su alma mater (protagonista, guionista, autora de la idea) era la escritora india de prestigio Arundhati Roy, Premio Booker 1997 por su novela “El Dios de las pequeñas cosas”, que vino ayer a presentarla.
La película, que personalmente me pareció inicialmente poca cosa (seguramente tenía en la cabeza la petición previa de Roy de que no la tomáramos demasiado en serio, porque no era sino un juego de estudiantes de los 70), para ir ganándome poco a poco hasta acabar convenciéndome un montón, se centra en las peripecias de un variopinto grupo de estudiantes de arquitectura de la Escuela de Nueva Delhi en un corto periodo de tiempo de 1974, hasta su presentación del proyecto final.
Todos viven en un colegio mayor (aunque recibe el nombre de albergue) universitario y, dada la proximidad del final de curso, son moneda en común las noches en blanco para finalizar los trabajos escolares que deben presentar pero, eso sí, mezclándolas con músicas, bromas, la picaresca y la alegría de vivir de cuando se tienen esos años.
Vemos estudiantes que exponen ideas de bombero (como el Annie del título y su hilarante propuesta para evitar el flujo de población del campo a las ciudades, aprovechando la estructura viaria del tren por el país); otros ideas contestatarias muy ligadas a los años de la acción, y otros dejan que sea su poderosa familia o algún profesor encariñado los que hagan sus trabajos. De tanto en tanto, la protagonista (encarnada por la misma Arundhati Roy), que va -como su novio- con coloridas ropas de hippie, suelta alguna potente burla del machismo ambiental imperante, que no ahorra cuando se encuentra ante sus profesores.
Acabas conociendo a los diferentes personajes y sus características como si tú también hubieras entrado a vivir en esa comunidad tan rebosante de buen humor. Hay que agradecer a la película que te abra una ventana a un espacio y ambiente que no suele ser muy transitado, como el del mundo universitario de la India. Que -aprendes- no debía ser tan lejano al nuestro, ya que, en circunstancias parecidas, yo también escuchaba las músicas que allí se oían (incluidas en el film, con toda seguridad, sin ninguna preocupación por el tema de sus derechos). No por casualidad, ambos mundos, bien distantes, recibían plena influencia y dominio anglosajón.
En el coloquio posterior, aunque ella señalaba que la película tenía la intención de ser una comedia, y que sólo se debía ver como muestra de la felicidad de estar en un College a esa edad (la misma autora señaló que esas eran experiencias suyas, pues, aunque algo trasladadas en el tiempo, las había vivido durante sus estudios de arquitectura), la cosa viró hacia aspectos más trascendentes, entrando Arundhati Roy en lamentar el vertiginoso proceso de privatización que se había seguido en todo últimamente, tras un tiempo en el que había unos pocos afortunados que vivían sus sueños y otros que soñaban que los podrían vivir: Ahora esos sueños ya se habían roto totalmente, sentenció.


Como en una película española de la época, este estudiante se pasa la película intentando convencer a su novia de pasar a mayores, pero ésta aplaza hasta sus besos.








Annie, orgulloso de la plasmación de su idea para salvar un gran problema de la humanidad.

En el coloquio final.


Me tuve que ir a mitad coloquio, pero todo el público permaneció en sus asientos, interesado, hasta el final.

 

miércoles, 11 de noviembre de 2026

Montecarlo



Tras un día que no parece despejar las dudas sobre el futuro que nos espera a todos, sino todo lo contrario, con el colofón de un festival de contenedores ardiendo mientras se sigue el juego del ratón y el gato, sin saber quién es el uno y el otro, Lubitsch se ofrece como el mejor antídoto.
Esta misma semana había empezado una película que había preparado él, pero que por problemas de salud acabó haciendo Otto Preminger, y la dejé estar: tenía todos sus ingredientes, pero no acababa de cuajar la tarta.
Anoche, y mira que no me apetecen las comedias musicales, me rendí agradecido ante “Montecarlo” (1930; en Filmin), cuya primera canción es, para entendernos, estilo Hermanos Marx, y luego opereta completa.
Personajes (ese idiota y adinerado conde que sabe apreciar la singularidad de la aristócrata a la que pretende; ese amigo con el que establecer intervenciones rítmicas; esa doncella que nos hace ver que en los Lubitsch no sólo destacan los mayordomos); diálogos que, escuetos, se repiten una y otra vez para lograr un efecto cómico; los autómatas del reloj que tocan las tonadas de las canciones que acabamos de oír;…
Todo eso… y un viaje en tren muy cantarín conforman la película.
El amor entre aristócratas vence todos los inconvenientes, y es un descreído de lo que cuenta y de tantas cosas como Ernst Lubitsch el que, una vez más, nos señala el buen camino, haciendo de perfecto antídoto.







 

Negocios turbios


-Privatizaciones de servicios de interés nacional
-Compras y ventas sucesivas de grandes compañías sin preocupación por la forma de operar de la empresa negociada, sino sólo interesadas en ganancias especulativas.
-Sistemas y métodos de comunicación empresarial de cualquier asunto siempre en positivo.
-Supresión de reglamentaciones fiscalizadoras
-Transferencia a las medidas de autocontrol
-Lobbies que actúan como una mafia
-…
“Negocios turbios” (“Dirty business”; Joseph Bullman, 2026; en M+) es lo más parecido a un panfleto contra todo esto que puede verse en una mini-serie de tres capítulos para televisión, pero tiene el acierto de centrar sus mejores momentos en unos apacibles amigos jubilados, uno antiguo investigador de la corrupción para la policía, el otro científico que ha trabajado en bases de datos con modelos de resolución generativa, que se proponen indagar por qué se producen vertidos tóxicos en su vecino río de los Costwolds ingleses.
Una grabación que se repite (eso de las repeticiones habría que situarlas en el debe de la serie…) deja ver a Margaret Thatcher defendiéndose en una comparecencia parlamentaria diciendo que, si se deja tiempo, la privatización se verá que es un auténtico éxito, y la serie no hace sino viajar por ese tiempo que solicitaba, hasta nuestros días





 

sábado, 7 de noviembre de 2026

Duse




Hay un diálogo en la película,no bien recogido por los subtítulos, en el que un personaje se ríe de otro, diciendo que resulta histriónico. Ese mismo histrionismo de Vanesa Bruni-Tedeschi, heredado por su hija en la ficción y algún otro actor es una de las razones por las que se me ha indigestado “Duse” (“Eleonora Duse, la Divina”, Pietro Marcello, 2025), que no habiendo podido verla en cines tras su estreno, tenía reservada desde que la anunció Filmin, hasta que finalmente la ha colgado esta semana. Tenía muchas ganas de verla para saber qué había hecho Pietro Marcello mostrando un tiempo histórico tan intenso… y ridículo.
Pero tiene una escena, muy clásica en todo tipo de cine, incluido el hollywoodiano, que me ha dejado pegada la mirada y oído a la pantalla.
Figura ser en La Fenice, durante un ensayo, en el que el director no consigue meter en su papel a una joven actriz (creo que interpretada por Gaja Masciale), quien se queja de que debe hacer sus réplicas a una silla vacía, por ausencia de la diva, su madrastra en escena.
Pero la Duse acaba de llegar y la ha oído. La interroga y se acerca (paso de plano general a medio). El interrogatorio va haciéndose más íntimo y duro, llegando a un recital de primeros planos, en los que vamos notando cómo el personaje va entrando hasta hacerlo por completo en la joven actriz.
Momento en que hay un corte y vemos, ya el ambiente relajado después del duelo actoral, únicamente un plano general con unas figuras en el escenario, recortadas con los palcos del teatro de fondo.



 

martes, 3 de noviembre de 2026

Delirios de amor

Una serie en la que se hacen muy presentes, fundamentales, los espejos…

Kiki.

Kiki.

“Delirios de amor” (1989) tiene un poco de todo. “Kiki” es el episodio nada menos que de Adolfo Arrieta, con su estrella Javier Grandes (y Clara Sanchís). En él a una pareja que empieza muy juguetona se le cruza un gato, precisamente Kiki. En esta ocasión el director de fotografía es Jaume Peracaula, que se repite en otros episodios. Cavilo que debe ser la ocasión en que Arrieta dispuso para su trabajo de un presupuesto más holgado.
No lo he dejado dicho por ningún lado, pero en los episodios de “Delirios de amor”, si hay un elemento que se repite, este es el espejo, apareciendo por doquier. Van bien para definir el tono general de una época narcisista, en la que sus personajes miraban de descubrirse y, luego, convencerse a sí mismos.
Pero habría que hablar de la traca y colofón final de la serie, con dos episodios (“La pupila del éxito”, de Luis Eduardo Aute, y “Pàrpados”, de Iván Zulueta) que veo ahora que, entre juego y juego, firmaban la desaparición por un desagüe vertiginoso -como el de la ducha de “Psicosis”- de toda una época de Madrid, que había creído poder reinventarse.


El episodio de Aute es mas Ceesepe que el dirigido por él mismo.

La pupila del éxtasis.

Un Ceesepe que es él mismo, pero también muy Buster Keaton.

La pupila del éxito.

El decorado onírico de “La pupila del éxito”.

Párpados.

Marisa Paredes (en la cumbre de su personaje) y la imprescindible Marta Fernandez Muro.

Eusebio Poncela y Marisa Paredes.

Los espejos de “Párpados” lo son de otra manera.

 

lunes, 2 de noviembre de 2026

Soleá (Delirios de amor)


La serie esta de rtveplay de la que voy viendo episodios, “Delirios de amor” (1989), está necesitada de una buena restauración: de imágenes, pero sobre todo de su banda sonora, que se ha deteriorado hasta casi no dejar entender sus diálogos. Pero quizás ese defecto sea otro de los elementos que redondean el efecto de “Soleá”, un episodio dirigido por Félix Rotaeta.
Supongo que se recuerda a Félix Rotaeta, sobre todo, como actor, encarnando una serie de personajes más bien turbios, aprovechando su físico. Yo recuerdo especialmente sus narraciones, laguna de ellas llevadas al cine por él mismo, y que siempre incorporaban muchos elementos dinámicos.. y muy bestias.
“Soleá” muestra una historia retorcida típica de cine negro (de la madera de esas recreadas por algún escritor latinoamericano) en la que veo tuvo su parte Míchel Gatzambide, el coguionista de “Cerrar los ojos”, la por ahora última película de Victor Érice.
Por cierto que aquí también se cumple esa regla de intérpretes principales (no Emma Suárez, pero sí Mario Gas) y director de fotografía (Josep María Civit) catalanes.



 

domingo, 1 de noviembre de 2026

Veinte mil semanales (Delirios de amor)


Otro episodio de la serie “Delirios de amor”(1989) se llamaba “Veinte mil semanales”, y la dirigió Gonzalo Garcia-Pelayo. También tiene, como la anterior, intérpretes (como Abel Folch o Nuria Hosta) y técnicos (Magí Torruella) catalanes.
Tratándose de García-Pelayo, tenia que notarse su autoría. Se me hizo presente al ver en el episodio ese componente argumental y general de notorio carácter sexual (hace poco leí que incluso en sus prácticas de la Escuela de Cine destacaban sus trabajos por ese factor), pero también por un par de guiños, como esa partida de ajedrez cibernética que desarrolla su protagonista (Abel Folk) o determinadas referencias cinéfilas. Pero, sobre todo, por el empleo de una forma cinematográfica muy novedosa.
Ver a ese realizador de televisión encerrado en ese mundo particular lleno de monitores con programas de todo tipo me llevó a pensar en el último Jean Eustache, recluido en su casa de la rue Nollet de París en un ambiente más claustrofóbico, pero similar.

https://www.rtve.es/play/videos/delirios-de-amor/delirios-amor-veinte-mil-semanales/2653097/


 

Les amours d'Anaïs


Ejemplo notorio de que una película resulta anodina o interesante según el momento en que la ves y las circunstancias que la rodean. A mitad de visión de “Les amours d’Anais” (Charline Bourgeois-Tacquet, 2021) descubrí que ya la había visto antes y que su visión me había dejado totalmente indiferente, considerándola de una supina irrelevancia. En cambio, anoche me resultó de lo más interesante.
La había grabado el día anterior en TV3, una cadena que no suele programar nunca películas valiosas y que, además, anoche descubrí que corta en varias ocasiones la proyección para pasar tonelada y media de spots publicitarios, invade el cuadro para auto-promocionarse y secciona el final sin dejar ver los títulos de crédito. El único consuelo contra buena parte de todo esto es que, si escoges verla en VOSC, los anuncios aparecen sin sonido y, si además la ves grabada, puedes sortearlos a máxima velocidad.
Lo primero que destacan en la película son sus actores. Los principales son Anaïs Demoustier (que pasa medio metraje corriendo para llegar -tarde- a sus citas), un Denis Podalydès que cada ver me gusta más y Valeria Bruni-Tedeschi.
Los continuos raids de Anaïs, la protagonista, están allí para informarnos de su personalidad y para ofrecer el tono de comedia buscado, aunque quizás, si se apartase todo el atolondramiento de su personaje, posiblemente aflorarían, salidos a la superficie, otros temas que irá asumiendo irremediablemente en su ciega carrera intentando huir de la madurez.